Taxi Driver

¿You talkin' to me?

Ahora le toca a De Niro, es santo de mi devoción, es grande, me hace disfrutar. Hace menos de un mes vi Toro salvaje y me dejó un regusto peculiar, será el extraño maridaje de palomitas con blanco semi-dulce, pero eso es una historia y una película que serán contadas en otra ocasión.
En este film, en mi opinión, hace todo el trabajo, aunque he de reconocer que la inocencia rota de una casi adolescente Jodie foster, le añade dramatismo.
No os podréis abstraer de los 32 años que han pasado desde su estreno. La juventud de nuestro protagonista es chocante para los espectadores de menos de 30 años que tenemos en mente a un tipo que este año cumplirá los 65. Es un chaval, que no aparenta la treintena que por entonces tendría, Jodie Foster se nos aparece como una ninfa infantil y Harvey Keitel, que hace el papel secundario de 'Sport', es un hombre de mediana edad con unos pectorales para partir almendras.

Bueno, sobrepuestos de la impresión, podréis sentir la angustiosa soledad en la que el protagonista se ve sumido y que poco a poco le irá corroyendo. Ese aislamiento y falta de motivaciones hace mella en cualquiera, y en un veterano de guerra cargado de sufrimiento no puede hacer más que estallar, como al final sucede.Cuando terminéis, os dará que pensar la extraña y estrecha línea entre la cordura y la locura, así como lo poquito que a veces diferencian las acciones de un héroe y las de un perturbado. Aunque para perturbadoras, las ojeras de De Niro, que se me antojan reales dada la seriedad con la que afronta la preparación de papeles.
Alguna Curiosidad
Por lo visto, De Niro trabajó como taxista cuatro semanas para preparar el papel y muy pocos clientes lo reconocieron.
Cuando se estrenó la película ni Scorsese ni los productores albergaban muchas esperanzas de éxito, de hecho le dijeron al director: "Pase lo que pase es una gran película". Pero llegó el día del estreno, diez minutos antes se encaminaron a la sala y encontraron una descomunal cola, sin duda había algún problema. Pero lo que realmente pasó, es que ya había cola para la entrar a la siguiente sesión. En europa tuvo más exito que en estados unidos, se llevó una Palma de oro y cuatro nominaciones a los Oscars ese año.
Es una muy buena película, no estoy del todo seguro que merezca ir al olimpo, pero el empujoncito que me quita la duda es el papelón que hace mi muy querido Robert. Disfrutad de ella.

Ciudadano Kane

Lo que opina el tito Obdemurian
He de decir que tenía unas considerables expectativas a satisfacer por este film, peliculón, obra maestra, indispensable, etc.… Y lo que obtuve tras ver la película es una clase magistral de evolución del cine.
Hasta entonces había una serie de cánones que definían el estándar del buen director. Entonces aparecieron Welles y el director de fotografía, Gregg Toland y reinventaron los cánones. Desplegaron un extenso abanico de recursos visuales hasta entonces desconocidos: Travellings, contrastes de luces y sombras, encuadres imposibles, uso de grúas para obtener una panorámica general, el uso de la profundidad de campo, etc.…

Ciertamente inventaron la mitad de lo que hoy es el cine. Pero he de deciros, aún con riesgo de ser sacrílego que es muy posible que dramáticamente no os aporte demasiado. En la película se realzan la tenacidad y fuerza de un personaje, las cosas realmente importantes en la vida y el perturbador papel de la prensa en esta sociedad de la información. ¿Ya lo habéis oído antes verdad? Pues eso, nada nuevo bajo el cielo, aunque en 1941 fueron auténticos visionarios.

Ni que decir tiene que es otro hito en la cultura pop, series como los Simpson (1 , 2 , 3 , 4 ,) o padre de familia (1 , hay más pero no los encuentro ), cómicos, cine, televisión, etc...tienen en ciudadano Kane una fuente inagotable de guiños y referencias.

Curiosidad: El personaje de Kane, está inspirado en el magnate de la prensa William Randolph Hearst, que si mal no recuerdo no llegó a ver la cinta, pero se agarró un cabreo monumental al saber que la palabra ‘Rosebud’ sería clave en la cinta. Es comprensible, pues cuenta la leyenda que tal apelativo era el que Hearst daba a las partes íntimas de su mujer.

Al final de la escalera

Lo que opina el tito Obdemurian
Quizás no tenga una factura brillante, de hecho la tensión se resuelve casi a las primeras de cambio, pero tiene algo que la eleva al altar de los clásicos, el riesgo de plantear una trama paranormal en una época en la que eso suponía ser arrojada al abismo de la serie B, así como ser la precursora más notable del subgénero de “espíritus con asuntos pendientes”. Almas vinculadas al mundo material por un gran dolor, casi siempre asociado a las circunstancias de la muerte, y que buscan la paz haciendo justicia o sacando a la luz todos los detalles de su macabro final, ya sea mediante su manifestación en el plano material de forma directa o involucrando a alguien que le ayude a terminar el trabajo.

Es tal la importancia en el género de terror de esta cinta, que las alusiones, referencias y homenajes son legión en el cine actual, por ejemplo: “El sexto sentido”, “Los otros”, “El orfanato”, “El espinazo del diablo”, “Dragonfly”, “Reencarnación” y un interminable etcétera. Puede pensarse, que simplemente la temática es similar, pero es que en “Los otros”, “El orfanato” y otras más que no recuerdo, los directores, durante la promoción reconocen que por supuesto esta película ha estado en su mente durante el proceso de creación de sus respectivos filmes como claro punto de referencia.

En definitiva tiene valor como referencia cinematográfica, como fuente de la que beber, es un punto de orientación, pero un espectador de estos tiempos no la encontrará demasiado extraordinaria. Así pues yo la dejo en el Limbo y vosotros decidireis si es justa o no esta ubicación.

El último tango en París

Play, El último tango en París, con Marlon Brando, a ver de qué es capaz este tipo...
Lo que el tito Obdemurian Opina
Recuerdo cuando se estrenó una película llamada Nine Songs, cuyo argumento básicamente era; nueve polvos muy explícitos entre los que se intercalaban nueve actuaciones de los grupos mas cool de ese momento. Luego estaba la historia de amor, hilo conductor de la película, que iba variando en intensidad. Lo escandaloso de esta película era que los actores practicaban sexo realmente. Pues bien, para no desviarnos, el último tango en París me ha parecido lo mismo pero sin Franz Ferdinanz ni Superfurries por medio. Una sucesión de juegos sexuales, muy avanzadas para la época, alguna incluso para estos días donde porno acrobático se nos vende como el súmmum de las artes amatorias, vertebradas por un romance.
La única diferencia con Nine songs es que a la primera se la tachó de porno encubierto y a la de Brando se la pone en la estantería de las obras maestras. Para mi, Nine songs es menos atormentada y más creíble, aún siendo más un extraño ejemplar que un peliculón, personalmente me gustó más.

Cierto tufillo setentero
El film rezuma, en ocasiones a chorros, la psicodelia propia de los años setenta. Lo único que me creo de Brando, y en general de la película, es el dolor y soledad. Me quedará la duda de si haberla visto en versión original hubiera cambiado algo, pues la señora que dobla a la chica, Jeanne, tiene una voz como poco estridente, además el doblaje es evidentemente pésimo.
Los diálogos son forzados casi siempre, absurdos en ocasiones, hay personajes que chirrían al poco de aparecer en escena, es como si todo el mundo mojara en el café del desayuno hermosos trozos de bizcocho de marihuana.

Mi decepción
Los protagonistas son sólo un poco menos cargantes. Pensad que uno va a la buena de Dios, conociendo el nombre de algún clásico en que Brando ha participado, pero sin tener un recuerdo nítido de ninguna de sus películas y encuentro a un hombre cuyo atractivo cae en barrena, comenzando a convertirse en el vito Corleone que todos tenemos en mente, dentro de un extrañísimo experimento en el cuál se hace imposible integrar todo lo que había oído de él. Tal es la condradicción que me produjo, que inmediatamente después de verla pregunté a gente que la había visto y leí opiniones acerca del film, y casi todos venían a decir lo mismo; Brando grande, la peli algo raruna.
Mi decepción solo puede resumirse con algo que le suelen decir a Flipy en el hormiguero después de cagarla tratando de mezclar leche con colacao: ¡¡¡FracaaaAAAAaaaaso absoluuuUUUuuuto!!!

Tres discos tres

Manolo García - Saldremos a la lluvia
Tres años sin publicar ha estado manolillo, pero ha conseguido un disco tan facil de escuchar como "Arena en los bolsillos", el primero en solitario y el mejor según mi gusto. No soy un fan acérrimo de Manolo García, pero es incontrovertible la calidad musical que este hombre logra en cada disco.
Antes de tener el disco estuve leyendo algunas criticas del disco y en alguna de ellas pude leer el adjetivo mediterráneo. Pedantería pensé rápidamente, ahora que lo he escuchado, casi compulsivamente, entiendo que no podía ser más definitorio. Por la amplia variedad de instrumentos naturales del folklore mediterráneo, por la temática de sus canciones, por la percusión étnica en muchas de ellas, por el conjunto obtenido...
En una de las entrevistas que he leido, se le pregunta por el amor a la naturaleza que rezuma de muchas de sus canciones, manolillo vino a contestar algo así como que; él siempre ha reivindicado la importancia de tenerla presente en nuestra vida, entre otras cosas porque es militante desde mucho antes de la actual corriente de lógica preocupación por la salud del planeta. Tiene hasta una sección ecologista en su página.
En mi opinión, ha creado algo muy bello que no os cansareis de escuchar, cada canción encierra infinitos matices y delicadezas que se van apreciando tras cada escucha. Siempre he tenido la secreta sensación de que sus discos encerraban el sabor de una primavera tardía o un verano templado y generoso. Será pedantería...o no.

VIDEO (No estés triste)

Amaral - Gato Negro Dragón Rojo
Han vuelto Eva y Juan, ya casi tres años han pasado desde el final de la gira "El comienzo del big bang", confiesan que ya tenían ganas de subirse a un escenario.
Su retorno tiene forma de doble disco con un total de 19 canciones. Han conseguido aglutinar todo aquello que un fan de Amaral pudiera desear, ya que, siempre según mi punto de vista, hay canciones con regusto a los comienzos en "Amaral" y "Una pequeña parte del mundo" pero por otro lado en otras hay una evolución del estilo de "Pájaros en la cabeza" que les ha llevado a jugar con los mejores. También caben las rarezas, como su primera canción completamente acústica, o el debut de Juan Aguirre como voz solista con Eva ocupando el puesto de corista. Hay una canción compuesta para el grupo pre-Amaral de Aguirre, la canción se llama "Biarritz" y dicho grupo "Dias de vino y rosas". Además hay colaboraciones con Pereza en "El artista del Alambre" creada para la banda sonora de "Fuera de carta" donde en principio iban a cantar y tocar las guitarras, pero por problemas entre discográficas no aparecen. Otros que ponen su granito de pólen, quiero decir de arena son Peter Buck, guitarrista de R.E.M, los hermanos Ferreiro, Quique González, Deluxe...
Es sin duda lo mejor que han hecho, sin desmerecer la obra hasta el momento, he intentado ser un poco objetivo, revisitando sus viejos discos, leyendo opiniones y entrevistas y ya no me cabe duda, se van a llevar un notable con este disco al que es fácil augurarle un éxito atronador y una larga vida en los medios.
Suenan como siempre y a nuevo, a melancolía, a valiente e incluso a reagge. Presentan su disco con el single "Kamikaze" inspirado por todos aquellos que decidieron realizar sus sueños volando sin miedo a estrellarse, ellos también lo hicieron y no parece haberles ido mal.

VIDEO (Kamikaze)

Krakovia - Road Movie
Bueno amiguitos, aquí viene la bajada de calzones del post. A este grupo he llegado por culpita de Vinila von Bismarck, mi amor platónico del mes.
Esta tipa realmente se llama Irene López Mañas, producto granaino, Dj, cantante, performer, stripper burlesque y lo que la churri quiera, pero el personaje que te hará soñar se llama Vinila Von Bismarck.
Es la versión perversa de Marilyn, la prima chunga de Bettie Page, la amiga española de Dita von Teese, a veces rubia a veces morena, otras tantas con atuendo de latex mirada severa y pícara sonrisa.
Ni que decir tiene que ha sido Dita, la que ha puesto de moda el nuevo "burlesque", fué novia de Marilyn Manson pero lo dejo oficialmente por la afición del "cantante" a las sustancias prohibidas, gloriosa es su cita de : “Yo he dicho No a las Drogas, pero ellas no me escuchan”.
Una vez limpia la baba, procedemos a hablar del grupo, como he leido en alguna entrevista, en el fragmento en que el entrevistador hace la pelota al entrevistado se decía que parecían salidos de una película de Tarantino, no se si es un poco exagerado pero si encajarían con más de una canción en los ambientes que suele proponer el genio de la frente infinita.
Suenan a Rockabilly, Rock-Punk , incluso a veces suenan a suave chachachá como en el tema "change". A pesar de que este es su primer disco como banda , individualmente todos ellos tienen un largo camino a sus espaldas, como integrantes de grupos punk en Berlín, tal es el caso de Petra Flurr (El señor de cresta prominente) o como DJ en discos punteras de Madrid y sofisticada stripper ¿Adivinais quién?.
Cantan en inglés, incluso en alemán. Todo el album es fiel al título ya que tiene la cadencia y el aire de una Road Movie. En definitiva algo nuevo de marcado caracter que no deja indiferente, en mi modesta opinión son muy interesantes. Escuchadlos y me decís.

VIDEO (We're born in your city)

Corazón de paja roído por los cuervos

Estoy lejos del lugar donde no se si fui feliz y a donde nunca habré de volver, porque cuando lo haga solo habrá exitido en mi memoria. Mi corazón de paja se desparrama por una ciudad que no quiere más que a su ombligo de acero y hormigón.

Es un sentimiento ancestral aquel que nos hace suspirar con tristeza cuando abrimos la ventana y al cerrar los ojos el viento solo nos devuelve aire corrupto por una vorágine de máquinas que producen personas marchitas. Quizás no sea comprensible para aquellos que nunca se han sumergido hasta la cintura en un océano de trigo verde y amapolas, para los que ignoran que se van a mojar cuando son invadidos por un olor a polvo, cereal y el bochorno que precede a la tormenta, para esos que no se han dejado abrumar por un cielo de verano atestado de planetas y carente de luces ajenas al cosmos. Una sensación extraña para todos los que, en definitiva, han roto el vínculo con todo aquello que estaba aquí mucho antes que el hombre, un hilo roto que les hace desdeñar ese sentimiento como el que relega a la bondad humana a fábulas de libros que ya no toca abrir.

Disfrutar de la naturaleza sin cuestionarse nada más, zambullirse en ella sintiéndola refrescante y renovadora, como frio como un mar de junio. Fascinarse en cada camino, en cada monte, con los pies en la orilla, asombrarse con el pelo revuelto por el viento, lograr ver belleza en el desierto y en el vergel, en el horizonte y en la hierba que pisas.

Vuelve a ser un niño cuando quede a tus espaldas el límite de esta jaula adoquinada que es la ciudad, escucha y el mundo te contará el misterio que nunca ha dejado de cantar. Porque una hilera de árboles no es un bosque, así como una plaza no puede ser un prado por más flores que la adornen, ni una fuente un río ni los peces de un estanque son libres.

Dime vete y yo te diré hambre.

Perlitas cultivadas

Hasta nunca Troy McClure
Todos lo recordamos por películas como “Alicia voló sobre el parabrisas”, “Papá soy gay” o “ "P" de Psicópata”,y en eso quedará, en un recuerdo, ya que no volveremos a verle el tupé en la siempre-repetida serie de Los Simpson. Me enteré hace muy poco de que la persona que le pone voz a este personaje y a el abogado Lionel Hutz, fué asesinada en 1998, a raíz de eso, como homenaje, los creadores decidieron retirar a ambos personajes de la serie.

Aquello que adoramos lo no existe
Por todos es sabido que la mayoría de las portadas de las revistas son un montaje o están muy retocadas por este hito en el software. Lo que nunca habíamos visto es como están esas tremendas modelos y esos interesantes maromos antes de pasar por los filtros, capas y pinceles de Photoshop. Esta mentira repetida una y otra vez termina por impregnarnos de esta realidad ficticia imposible de alcanzar que genera no pocas frustraciones. Después de estos revisar estos vínculos os sentiréis más guapos.
Varios famosos americanos , Retoques varios , David Bisbal , Galería de Antes y después , Estrellitas sin maquillar , Paulina Rubio , Jennifer Lopez sin maquillar , Videos antes-despues: 1,2,3,4,5
Moraleja: No te puedes parecer a alguien que no existe.

Amy Winehouse: De culo, cuesta abajo y sin freno

Hace ya algún tiempo colgué un post acerca de esta narco-diva, y comenté algo acerca de que su inmersión en el mundo de la droga parecía haber tocado fondo. ¡Ay Cuanto me equivocaba!

Resulta que ahora su carrera está en stand by, su tercer album se retrasa, aunque para aprovechar el tirón reedita el primero, “Frank”, o recopila duos y versiones en “The othe side of Amy”. Lo último, es que ha sido excluida de la banda sonora“A Quantum of solace”, nueva entrega de James Bond. Su portavoz asegura que se suspendió el asunto no por su adicción si no por desacuerdos y problemas de otra índole.

Eso si, sigue a hostias con el mundo, a este paso seguro que tiene coleguitas en comisaría.

Cuando el malo de la película tiene corazón de silicio

Autor, director, el género y las leyendas urbanas
La curiosidad por revisar esta película, surgió a raíz de conocer la muerte del escritor en cuyo corto, el centinela, se inspiró la película. Cuando murió Sir Arthur C. Clarke, escritor y científico, se fue habiendo puesto su nombre a un asteroide, a un dinosaurio y a las leyes de Clarke, sin embargo, se fue sin haber obtenido un sola prueba de aquello que deseó nunca fuese ciencia ficción, la vida extraterrestre.
Me enteré de que no fue acogida con demasiado entusiasmo al principio. Cuenta la leyenda que grupos de consumidores de marihuana, haschís y LSD ocupaban las primeras filas de la sala ya bajo los efectos de las drogas. Decían que era una experiencia increíble, casi mística. No me extraña, en el viaje interestelar de Dave, el torrente de color casi me provoca un viaje astral, o un ataque epiléptico, no recuerdo. El boca a boca llegó también llegó a aquellos que no consumían ningún tipo de estupefaciente, quedaron idénticamente maravillados y alimentaron esta gran bola de nieve, que no paró de rodar.
Finalmente, se ha convertido en el máximo exponente de la ciencia ficción. Antes de 2001 solo había despreciable serie B, después obras cinematográficas. Desde entonces, muchos títulos han ido reforzando el género desde los distintos enfoques en que este puede ser abordado; “Blade Runner”,”Alien el octavo pasajero”, “Terminator”, “E.T.”, ”La mosca”, “Encuentros en la tercera fase”, “Starwars”, “Matrix”, “Yo, Robot”, etc…
En la creación de la película participó un comité científico para que el resultado fuera lo más realista posible. Kubrick logró todo el rigor posible que los efectos especiales y los conocimientos científicos de 1968 le permitieron, recordemos que hasta el 20 de julio de 1969 el hombre no pisó la Luna. Cosas de la vida, la célebre leyenda urbana que dice que el hombre no pisó la luna aquel 20 de julio, incluyó a Stanley Kubrick como director del supuesto montaje. La computación, por aquel entonces, no es que estuviera en pañales, es que estaba en la sala de partos, y aunque Isaac Asimov ya intuía en 1950 lo que podría llegar a ser la inteligencia artificial, con la publicación de “Yo, Robot”, imaginar a HAL 9000 fue un ejercicio de creatividad casi visionario.
Más leyendas, HAL es abreviatura de Heuristic ALgorithm, Kubrick y Clarke terminaron hasta las pelotas de corregir a los que se empeñaban en vincularlo con IBM, ya que la letra posterior en el abecedario de cada letra de H.A.L. curiosamente es I.B.M. De hecho IBM, también rechazó cualquier relación con el malo de la película, por eso de que matar gente está mal visto últimamente.En el argumento incluyo lo que realmente se quiso contar, no solo lo que se ve, ya que esta película ha sido objeto de múltiples y erróneas interpretaciones, he echado mano de una entrevista a Clarke emitida con motivo de su fallecimiento. Kubrick elige una forma un tanto críptica para narrar.

Lo que el tito Obdemurian opina
A pesar de ser un incondicional del cine en versión original , en este caso se puede hacer la excepción que yo no he hecho, hablan poco, y si creéis que la tensión se puede romper tratando de leer fugaces y espaciados rótulos, prescindid de ellos. Es una película donde la mano perfeccionista de Stanley Kubrick está presente en cada escena. Realza el silencio y la angustiosa atmósfera de estar enclaustrado en un traje del que depende tu vida con el único sonido del oxígeno inundando la escafandra y una sonora respiración, que termina por agitar la tuya cuando la del protagonista se altera. Del mismo modo ensalza la infinitud del universo y la suave armonía de movimientos con valses de Strauss padre e hijo. En el film se tratan asuntos filosóficos, como el de si se puede considerar a una máquina como un ser inteligente. Durante la rebelión de la máquina, podemos llegar incluso a empatizar con ella, no quiere morir, es lícito defenderse, miente y mata…como un humano. En el momento de la desconexión de HAL, sentimos estar presenciando un asesinato, aséptico y poco visceral, pero está claro que una existencia llega su fin. No hay diferencia entre la angustiosa desconexión de los hibernados donde las distintas constantes se desvanecen una tras otra, y la de HAL, cuya consciencia se va diluyendo al desconectar cada módulo. También está lo evidente, la existencia de vida extraterrestre evolucionada. Se omite la representación directa eludiendo las que tan mala fama dieron al género en los 50, platillos volantes y seres cabezones están excluidos de este tratado filosófico. Se establece un paralelismo, queriendo o sin querer, entre la civilización alienígena que dota de inteligencia a los protohumanos y los humanos que dotan de inteligencia artificial a la máquina.
Por último, se nos plantea algo místico, se deja ver que en la odisea de la evolución humana prescindir de el cuerpo es el siguiente paso.¿Qué más podemos pedir? Un contenido profundo envuelto en una trama que rebosa una tensión de exquisita factura. Su lugar natural es el Olimpo.

La frase memorable

I'm afraid. I'm afraid, Dave. Dave, my mind is going. I can feel it. I can feel it. My mind is going. There is no question about it. I can feel it. I can feel it. I can feel it. I'm... afraid...

Somewhere over the rainbow

Ejemplo de como algunas historias se sobreponen al paso del tiempo para ser eternas. La técnica ha echado una manita a este cuento de hadas, es preferible que consigáis el DVD con la versión restaurada y resmasterizada, podréis disfrutar así de los colores del país de Oz en todo su esplendor. Entre los extras encontraréis detallado el proceso de rejuvenecimiento y retoque del film original, un documento muy interesante de menos de diez minutos.
La historia la conocemos todos, al menos de oídas o quizás la leímos muchísimos años atrás. Nuestra protagonista se llama Dorothy Gale o Dorita en el doblaje en castellano, que rogaría no escucharais ya que aparte de merendarse la literalidad, lo hace una señora que juraría aparece en alguna película de Marisol.
Lo que el tito Obdemurian Opina
Tras realizar una paja mental con el argumento del Mago de Oz, por eso de no aburrir, ya que todos lo conocíamos, me gustaría que supierais que os volvereis a encontrar si revisitais este fantástico film.
Casi todo el peso interpretativo de este musical recae sobre la entonces jovencísima Judy Garland que canta como ángeles y borda el papel de la pequeña y dulce Dorothy. A mi modo de ver, también digna de reseñar es la actuación de Ray Bolger como el espantapájaros, ya que su cara de bobalicón le viene que ni pintada, pero sobre todo por la perfección del movimiento que simulan la falta de garbo propia de alguien que no posee un esqueleto que lo sostenga. Jack Haley como el hombre de hojalata está correcto, aunque no podremos reprimir alguna sonrisa cuando acompañamos mentalmente a alguno de sus movimientos con un bajuno "Y cuatro... el robocó".

Por último, el león cobarde, personaje encarnado por Bert Lahr va in crescendo, pues comienza siendo una caricatura cargante hasta llegar al momento cúlmen de su numerito musical mientras esperan a ser recibidos por el mago de Oz. No podréis quitar ojo del hilo de seda que da movimiento a su cola, es algo muy gracioso, cosas de la técnica.
Como cuento de hadas que es, el toque naïf y colorista es muy notorio. Empezando por los munchkin, no debió quedar un solo enano en los estados unidos, y terminando por la ambientación, donde podemos señalar con el dedo donde acaba el atrezzo y donde empieza el decorado de fondo. Hilos, muñecos, maquetas, máscaras y coloretes hacen mucho más entrañable esta fábula imperecedera, breve y amena que nos transportará casi sin querer a nuestra infancia.
La anécdota
Mencionar que esta película es una referencia en el mundo Gay, por multitud de detalles, desde Judy Garland como icono hasta la canción "somewhere over the rainbow" como interpretación tendenciosa de un lugar donde los homosexuales no han de ocultarse, el arcoiris es la bandera multicolor que representa al colectivo, el león marcadamente afeminado, etc...
Cuando estéis sentados frente a la pantalla vereis que de los infinitos guiños que los Simpson han hecho al mundo del cine, una gran cantidad son reconocibles en el Mago de Oz, ya que es una pieza clave en el infinito puzle que conforma la cultura Pop. Por eso, y por hacerme disfrutar con un cuento de hadas a mi cuarto de siglo de edad, merece estar en la estantería de los grandes, en nuestro Olimpo particular.
La frase memorable

"There's no place like home"

En este caso la típica sinopsis la he adulterado, a ver si adivinais con que sustancia.

Todo el mundo va al café de Rick

Si hablamos de clásicos, uno de los primeros nombres que os vendrán a la mente será Casablanca, una historia de amor imposible, clandestinidad y tiempos revueltos. Por supuesto con Ingrid Bergman y Humprey Bogart, este último encumbrado como actor imprescindible de los tiempos dorados de Hollywood y del género negro. ¡Pues no! es malo, muy malo, acabo de mearme en su gloriosa carrera, de acuerdo, y con ello corro el riesgo de ser sacrílego, pero todo ello en aras de la honestidad. No he visto ninguna otra película de él, así que tengo la duda de no saber si es esta “interpretación” en concreto (nótesen las hermosas comillas) o es el actor en si, porque, o es un tipo muy, muy, pero que muy duro, o simplemente es tan expresivo como una lápida. Quedaos con el rostro con el que recita sus primeras líneas en la película, ¡eso es todo!, no va a cambiar el rictus. Es capaz de decir banalidades, frases memorables, amenazas o declaraciones que derretirían al sol con el mismo rostro y tono... ¡aish!...Me has decepcionado Juanfri. No quiero transmitir que la película sea insufrible, ya que merece mucho la pena, no solo por el film en si y por todo lo que significa. Se considera desde hace muchísimos años por la mayoría de los guionistas como el ejemplo del guión perfecto. Lo que quiero enfatizar es que todas las expectativas que pongáis en Humprey Bogart son vanas. ¡Hey Humprey! sin rencor. Espero ver algún que otro clásico del cine negro en que aparezca Bogart para que mi opinión acerca de este tipo sea más formada, y pueda entonces reafirmarme o desdecirme.
Así pues, por culpita de Juanfri, esta película va al limbo.

Escarlata y las orejas de Mickey Mouse

La vi hace muy poquito, y de ella tenía la idea preconcebida de que era la mayor historia de amor jamás contada, así como una oda a la fortaleza y la perseverancia de una mujer, lo segundo es cierto. De este tipo de películas tan lejanas en el tiempo hay que entender el halo naïf, casi infantil, de los decorados, vestuario, incluso del guión que junto al histrionismo de los actores crean un velo teatral que las alejan de la naturalidad. Esto puede achacarse a que la industria cinematográfica, tal y como la conocemos hoy, estaba entonces en pañales. Hay que reconocer que esa pátina de antigüedad tiene sus seguidores.
Con esta película me pasó un poquito como con Casablanca, es decir, la película es muy recomendable, pero acabé un pelín cabreado con el guión, o más bien con Escarlata, por tonta, toda su vida se termina yendo al cuerno por idiota. Esta vehemencia, deja ver que me creí a los actores, que me metí en el guión y que la disfruté, es más, tanto me gustó que el cabreo vino por no obtener el “happy ending” de rigor, algo inusual en mi, pues lo que me suele producir aversión es lo contrario, el final feliz por pelotas.
Vivien Leigh y Clark Gabble están enormes, os anuncio que los ojos de ella son la octava maravilla y las orejas de él…este…pfff…son las de Mickey Mouse. Hattie no me acuerdo que más, que hace de ama de llaves, para mi gusto, es la más natural, de echo por este papel se llevó un Oscar™ que la convirtió en la primera persona negra en obtener la estatuilla.
La anécdota
¿Sabéis la escena insignia de la película? la de:”...a Dios pongo por testigo...", pues dependiendo de la versión que consigáis, la vais a ver o no, yo tuve que recurrir a youtube para poder contemplarla. No me preguntéis ni como ni por qué, pero en el DVD de la biblioteca regional es así.
A pesar de ser muy recomendable, la voy a depositar en el limbo, por que no soy demasiado de historias de amor, pero sobre por el cabreo que me produjo Escarlata. Admito, que este juicio es altamente subjetivo.

Películas que me perdí

Me he propuesto ver todas esas películas de las que todos hemos oído hablar por formar parte del imaginario colectivo. Quizás están en el olvido por haberlas visto mutiladas por la eterna y exasperante publicidad, quizás hace tanto que las vimos que el argumento apenas es una sucesión de vagos recuerdos o quizás no habíamos nacido aún cuando eran ya mitos del cine.

La finalidad es que vosotros también os animéis a rescatar para vosotros muchos de estos clásicos.

Mi valoración es personal y opinable, por supuesto, solo quiero que sepáis que el criterio de valoración principal es el buen rato que hacen pasar, por encima de lo oído sobre ellas, de lo que supusieron para el cine, o de los actores que intervienen. Por supuesto no seré insensible a esos valores y si son destacables lo sabréis. Quiero garantizar la fidelidad entre la impresión obtenida y la opinión expresada, para ello el comentario de todas las películas será realizado poco después del visionado.
Como son filmes ya famosos solo caben dos calificaciones; el limbo o el olimpo.

En la estantería del Olimpo estarán aquellas cintas que cumplen su función de entretener, emocionar, sobrecoger o remover conciencias, y además tienen un valor cinematográfico evidente. Son la apuesta segura, las glorias del séptimo arte.

Por el contrario al Limbo irán esos filmes ilustres que no son del todo redondos, por deficiencias de guión, de dirección, de interpretación o cualquier otra cosa que haga que no terminemos con sensación de completa satisfacción. Su fama es mayor que su valor como objeto de entretenimiento, aún así son célebres por algo e intentaré revelaros el motivo.

En función de a dónde vayan tendrán un tag u otro, para localizarlas según su valoración solo tendréis que daros una vuelta por la nube de tags.

Descubriendo a Al Pacino

Scarface (El precio del poder)

Prolegómenos
He de confesar que no había visto ninguno de los clásicos que han hecho grande a Al Pacino, le tenía ganas a esta, comencé a ver la película y noté que el doblaje se hacía con la voz que todos le ponemos a Pacino. Pero un genio de aspecto sobrio y refinado haciendo de exiliado cubano, ex-convicto, con una gestualidad macarra y un carácter violento no merece ser doblado. Así que volví al menú, cambié a inglés con subtítulos y una vez sobrepuesto de la gracia que me hizo ver a este hombre diciendo con acento havanero “¡coño!”, comencé a vislumbrar porque este tipo ha llegado a ser quien es en el mundo del cine. Reconozco que su dicción no es perfecta, es decir, se percibe más como un estadounidense de raíces cubanas que como un cubano recién emigrado a Miami.

Lo que opina el tito Obdemurian
Hay una cosita que me ha tocado las pelotas, lo he pensado y es así como hay que decirlo, me ha cabreado la música, solté un gran ¡pffff! cuando en la contraportada del DVD, puedo leer algo así como “…la arrolladora banda sonora de Alexander Moroder…”, si arrolladora significa que no puedes abstraerte de esta y centrarte en el guión, pues si, es arrolladora. Lejos del sintetizador a gogó y el tufillo ochentoso que lo impregna todo, lo que me molesta es cuando se parece sospechosamente a la de Blade Runner en algunos pasajes. Salvando las distancias o más bien los insondables espacios cósmicos, temo que es algo intencionado pues Scarface y Blade Runner son prácticamente coetáneas.
Otro descubrimiento es Mary Elizabeth Mastrantonio, que hace de Gina, la hermana de Tony. La recordaba vagamente de películas vistas sin interés, pero en este film da mucho el pego, mucho, no es un papelón pero está muy correcta, amén de ser un cañón de la época, que por cierto se conserva muy mal actualmente.
Se debe comprender la ambientación y la realización ochentera, así como perdonar a quien eligiera al criminal que compuso la música. Con esta premisa vais a disfrutar como enanos de un clásico del género de Gangsters. Momentos buenísimos de tensión en los que sospecho, ha podido inspirarse nuestro querido friki Tarantino. Al Pacino se sale, Steve Bauer que hace de Manny Ray es entrañable, y Pfeiffer es fría, muy fría, si quiere un mojito helado, solo tiene que meter un dedo en el vaso. Es la mejor película de Gangsters que he visto hasta ahora, sin duda merece un puesto destacado en el Olimpo.

La frase memorable

Solo tengo dos cosas en este mundo, mi palabra y mis pelotas, y no las rompo por nadie

PD: Nótese que he procurado no desvelar quien muere y quien no. (Para Galadriel, la asesina de futuras sesiones de cine)

Mostrar Sinopsis

Nuestro protagonista, Antonio “Tony” Montana desembarca en Miami durante lo que se vino a llamar el éxodo de Mariel, un exilio masivo de unos cien mil cubanos, que pedian asilo político en los Estados Unidos allá por 1980. Llega a Florida y tras un breve tiempo en una especie de campo de refugiados provisional, él y su fiel compañero Many Ray consiguen un salvoconducto tras hacer un "trabajito" donde resulta muerto Emilio Rebenga, ex seguidor de Castro ahora perseguido.

Comienza trabajando en un puesto de comida cubana, pero eso no es vida para Montana, que pronto ve en el tráfico de drogas su pasaporte hacia una vida mejor, sus maneras y su honestidad brutal, le van abriendo puertas, pasando de ser un peón a un caballero capaz de poner en jaque a su propio Rey. En uno de esto trabajitos conoce a Sosa, un intocable narco boliviano, y merced a su carácter sincero y apasionado consigue su confianza y amistad, algo que viniendo de un Señor de la droga no se debe despreciar a a la ligera. Una vez subido en el tren del dinero fácil, Montana, visita a su madre tras cinco años sin verla. Es una inmigrante honrada y trabajadora que protege con celo a su hija, Gina, del hálito corruptor de su hermano. Tony Montana, tiene las pelotas mas grandes de Florida, pero su madre lo corre a gorrazos de su pequeña casa tras intuir el modo de vida de su problemático hijo, un trance duro para Tony, mas que todos los balazos que haya de recibir.

Se enamora de la mujer de su mentor en el mundo del hampa, Elvira, encarnada por una casi irreconocible Michelle Pfeiffer, una mujer florero adicta a la coca desposeída de todo afecto. Montana consigue todo lo que se propone, incluso a Elvira. Y tras un intento de asesinato por parte de su jefe, Tony decide subir un escalón más, ser su propio jefe.

Montana despega, llegando a ser el capo más grande de Florida, poco a poco pierde los pocos valores que conservaba, mientras se hunde en la cocaína, en esa espiral de autodestrucción muerde la mano de quien le dio el gran empujón, Sosa, cuya cólera termina desatando una guerra entre narcos.

Vuelve M-Clan...de verdad

El grupo murciano por excelencia ha vuelto a escena con gran éxito de crítica, y lo de público ya se verá, aunque en su primera semana están en el 6º puesto de la lista afyve.

Si de M-Clan solo te suena “Carolina”, “Llamando a la tierra” o con mucho esfuerzo “Maggie despierta”, no los conoces, además de eso hace ya casi 10 años.

Si por el contrario, consideras que M-Clan comenzó cojonudamente con un rock impropio de estos lares que podría haber hecho historia y que sin embargo comenzaron a amariconarse en sin enchufe, tras la marcha de Campillo, para tocar fondo con defectos personales, es que te rendiste y les dijiste adiós demasiado pronto. "¡Poperos de mierda!" dijeron algunos (Galadriel).

Yo estuve apunto de quedarme entre estos últimos, pero les di una oportunidad y aunque con “Sopa fría” no se portaron del todo bien (¡madre de Dios! “Juerga general” ¿Qué hicimos para merecerla?), había visos de recuperación tipo brit-pop y rock del de antaño, buscaban su camino, era obvio. En este avión que caía empicado la inspiración entra en la cabina, toma los mandos con determinación y tira de ellos fuertemente para evitar la catástrofe. Las letras de sus canciones siempre habían sido un motor ardiendo. Tienen el dudoso mérito de un quinto puesto de una lista confeccionada por EP3, la división digital del el País, de las peores canciones de la historia con “Carolina”, familiar paradoja que fuera la más popular.

En esta situación crítica en la que se mascaba la tragedia, llega memorias de un espantapájaros que viene a ser la confirmación de mi sospecha de mejoría, la crítica se ha volcado, la revista Rolling Stone lo considera el mejor disco del mes, EP3 opina igual, Andreu Buenafuente lo comentó en su blog hace apenas 2 semanas, de hecho los llevó a su programa días después, hay un largo etcétera que coinciden. Me uno a todos ellos para decir que efectivamente el avión remonta el vuelo, no hay rastro de humo en el motor de las letras, funciona óptimamente. Tras un bache que ya duraba demasiado, del que no vamos a negar la parte de culpa que tuvo la marcha del genio Santiago Campillo, asoman la cabeza a nuestro triste panorama musical, espero que para quedarse por mucho tiempo y para mandar. Les he echado de menos, tanto como echo en falta alguna canción más cañera en este nuevo trabajo, así como una mejor selección del orden de canciones del disco, lo siento pero soy quisquilloso. Para terminar el turno de quejas, solo tiene once canciones, a ver si aprendemos de los Red hot chili peppers 28 canciones de estreno, con dos cojones.

Aún no han vuelto al rock de los viejos tiempos, tampoco tienen por qué volver esos tiempos en toda su dimensión, pero la nostalgia no hará que deje de apreciar el exquisito plato que nos ofrecen la banda del tito Tarque, enfant terrible aparentemente rehabilitado. Lo que más me ha gustado, aparte del cambio en la manera de componer, según ellos, ahora empiezan por el texto para musicarlo posteriormente, es su vuelta al sabor sureño, fronterizo, mestizo si queréis en algunas canciones, la famosa raíz americana a la que quedaron vinculados en sus orígenes. No es la tónica general pero es tal el aroma de “Las palabras” o “corazón de bronce” que perfectamente podrían ser parte de la banda sonora de un western moderno.

La especia que ha rescatado este antiguo sabor, me da a mi, que ha sido Priscus, guitarrista que se reincorpora al grupo, ya que estuvo en el proceso de creación de canciones y letras en los tan machacados principios, no hay más que mirar la autoría de música y letra de sus 4 primeros discos. También vuelve al grupo Alejandro Climent “boli”, teclista que colaboró con ellos en el pasado, de este tipo recordareis el órgano y su reconocible estilo al piano, escuchad sin enchufe y veréis cuanto de cierto hay en lo que digo. Memorias de un espantapájaros es una exquisita receta con múltiples ingredientes, aparte del ya mencionado mestizo en rama, se percibe a cada bocado, melancolía, añoranza y una pizca de ese síndrome de Ulises que últimamente comparto.

Amalia Bodega

"El talento no es garantía de ninguna otra virtud humana" Robert Christgau (critico de Rock)

Esta mujer nació en el 83, repelús me da cuando los que triunfan empiezan a ser más jóvenes que yo. ¡Mierda! mis planes de someter a todo el planeta se están postergando demasiado.

Su agitada y corta vida comienza en los suburbios del norte de Londres, en SouthGate, vamos, un barrio de allá. Así como el Rabal de Barcelona o la Elipa en Madrid no le suenan a ningún hijo de la Gran Bretaña, nosotros, tercermunderos españoles, sin pudor podemos decir que es la segunda expansión de un videojuego cualquiera.

En su familia, de origen judío, hay tradición musical, concretamente de jazz, así pues empezamos a intuir de qué está compuesto el aroma elegante de su voz. A los 10 años formó una pequeña banda de rap con el nombre de sweet’n’sour, que supongo no tendría más intención que la de echar el rato con sus tiernos colegas, debió ser entonces, o más tarde…o antes…realmente no importa, cuando sus padres vieron algo en la pequeña Amalia y decidieron que debería recibir algún tipo de formación que hiciera aflorar su talento natural y acudieron a la escuela de teatro Sylvia Young Theatre School. Pero Amalita era ya una pequeña diva intratable, y fue expulsada tras un año por su contumaz desinterés, además de por ponerse un piercing en la nariz, ¡Ay la nariz! fiel compañera de farras.

También a los 13 le regalaron su primera guitarra, tres años después hizo llegar su primera maqueta a un productor, que no dudó del talento de la adolescente.

Solo tiene dos discos en el mercado “Frank” en 2003 y en 2005 “Back to black” que la ha elevó más rápido que cualquier droga al estatus de Musa a nivel mundial. Adorada por la crítica y el público es lo más cool del momento, tiembla Franz Ferdinand, está en boca de todo el famoseo planetario como la artista que debe ser idolatrada, la que les comprende y hace más pequeñas sus adicciones.

Así Amalia in the sky with diamonds, se hallaba en el paraíso terrenal, con todo lo que podía desear bajo su tacón, pero se fastidió el invento, y como en todos los buenos culebrones “cuanto más trepas al árbol más dejas el culo al descubierto” (SFDK). Y la señorita Bodega visita una y otra vez su apellido, con una mano pellizca marihuana o hachís elaborando canutos del tamaño del Hindenberg y con la otra borra el canto de su tarjeta de crédito alineando el caballo sobre un espejo, dejándolo listo para una rápida y corta carrera.

Se comenta por las internetes que la lista de sustancias es infinita, no hay droga que su torrente sanguíneo no conozca, hay vídeos en que se ve sorprendida consumiendo, incluso en pleno escenario, fotos en las que aparece en sujetador, vaqueros, descalza y errando desorientada por las calles de Londres con los ojos arrasados por las lágrimas. Noticias en las que se relatan las terribles peleas con uno de sus novios, también de vida difusa. Dos fotos ilustran el estado de ambos tras el enfrentamiento, el pelo revuelto y ojos llorosos en ella, él sin embargo luce un magnífico trabajo de uñas en cuello y rostro. Incluso encontramos una página de apuestas en la que objeto de los vaticinios es la fecha de la muerte de esta chica.

Parece haber tocado fondo y ha entrado en rehabilitación, aunque sabemos que rara vez la gente de la farándula sale limpia de ese tipo de clínicas. Esperemos que el apoyo de su madre y el Soul obren el milagro. Oremos a James Brown, ¡Amén!

Su moño de dos metros, el maquillaje pretendidamente anticuado, ese lunar junto a su boca cielito lindo, su look kitch, la extrema delgadez a la que la ha abocado la mala vida, el halo de delincuente que se ha creado tras serle denegada la visa para acudir a los grammys en los Yuesei, o esos tatuajes de pinup, hacen de Amalia Bodega esa tipa perdida y salvaje que a todo tipo le gustaría calzarse (Pablo™), ese tatuaje de su vientre con un gran ancla enmarcada por un incitante “Hello Sailor” , no hacen otra cosa que aumentar la energía de “Zorra Peligrosa” que desprende.

Ella es el Soul, el R&B e incluso el Blues que fueron y como no lo remedie no serán nunca más. El estilo de las grandes de mediados del siglo anterior perduran en ella, todo aquel que siga un poquito aquella época estará conmigo en que encarna el espíritu del tupé, del clásico micrófono metálico que agarraba Elvis, del “be my baby” de las Ronnetes, escuchad “wake up alone” o “unholy war”, y después una canción de Aretha llamada “I never loved a man” no es lo mismo, pero es igual.

Si logramos abstraernos del escándalo veremos que bajo la superficie de la abrumadora ola de éxito hay una calidad verdadera, los puristas podrán decir que nunca volverá a ser lo mismo o que la talla profesional no es equiparable, y yo les diré que aquí estamos, apurando la primera década del tercer milenio hablando de Rhytm and Blues. ¿Será la Rockstar actitud? ¿O será que si la subimos a un escenario 50 años atrás quizás nadie se preguntara de donde ha salido?

Led Zeppelin, El lado oscuro del Rock

Como dije en el anterior post. Hay que leerlo amiguitos. He descubierto a los Led Zeppelin con un cuarto de siglo, mas vale tarde que reaggeton en la estantería. Este grato descubrimiento, gracias Clarita, ha hecho revivir al Jimmy Hendrix dormido que todos tenemos dentro y que nos impulsa al Air Guitar cuando llega el punteo de guitarra de la canción que tanto nos gusta. Esto sumado a la reciente adicción al juego Frets on Fire, gracias Arkangel, está haciendo que profundice en los grupos que hicieron grande al Rock allá por los setenta. Y es que al final Homer Simpson va a tener razón cuando dice:

"Todo el mundo sabe que el Rock alcanzó la perfección en 1974. Es un hecho científico"

Este hallazgo coincide con la vuelta a los escenarios de esta banda en 2007, formada en sus inicios por Jimmy Page (Guitarra), John Paul Jones (bajo), Robert Plant (Vocalista) y John Bonham (Batería).
Tiempo atrás Led Zeppelin era para mi sinónimo de Heavy, algo indigno de mis oídos, y esto, además de ser incierto era muestra de mi ignorancia, porque en realidad su estilo es Hard Rock. Haceros a la idea, los que nunca los habéis oído, que es un Rock clásico y potente, aunque entre los géneros que han tocado están el folk, el reagge y el blues, por cierto, muy correctos con este último. Todo ello adornado en ocasiones con un aura oscura de psicodelia propia de aquellos años.
Si queréis escuchar algo de ellos, el nuevo disco, que básicamente es un recopilatorio, se llama Mothership. Ahora dadle al play y seguid leyendo para viajar en el tiempo cuarenta años atrás.

Los Led en la historia
Este grupo es, o más bien ha sido, mucho más importante de lo que podamos intuir los españolitos. En el tiempo en que estos hombrecitos perturbaban el mundo, España se hallaba dentro de una burbuja en que las drogas, el sexo, el rock'n'roll y las leyendas urbanas que incluían satanismo no tenían cabida. Lo más trasgresor que podía digerir un habitante de la España de Marisol era una suerte de sucedáneo pacato de beattle, que vino a llamarse yeyé.
Cuando el tito Paco murió ya era tarde para que los Led sedujeran los tiernos oídos de unos españoles más preocupados por la política que por la música. Y así fue como quedaron borrados del imaginario colectivo ibérico.

Pasemos a la historia de la banda. El nombre surge como broma del batería de The Who. Quien dijo que: “la banda fracasaría y caería como un puto Zeppelín de plomo”. Lead Zeppelín en inglés, que terminó convirtiéndose en Led Zeppelin.

No os aburriré con anécdotas sobre la formación de la banda, pasando directamente a cuando fueron catapultados al éxito por su cuarto disco. Este no tenía nombre, o al menos nombre en cristiano, pues solo se podían leer en la carátula cuatro extraños símbolos. Motivo por el que quedó bautizado popularmente como el disco de las cuatro runas. La publicación de este disco se sumó a un cambio de look, que los convirtió en lo mas cool de la época. Divos con un jet privado, apodado Starship, y múltiples plantas reservadas en todos los hoteles que visitaban. Las grupis que cupieron en todas esas habitaciones, solo ellos lo saben.

Del demonio y otros mitos
Me asombró leer que eran aficionados a J.R.R. Tolkien, quedando patente en la letra de algunas canciones como, Stairway to heaven, Battle of evermore, Ramble on o Misty mountain hop, con algunas referencias a la obra del escritor sudafricano.

Una anécdota, Stairway to Heaven, uno de los buques insignia del grupo, estuvo a punto de no ser grabada en estudio. Cuenta la leyenda, que se presentó en un concierto como una canción inédita. Y cuando terminaron de tocar el público no reaccionó, quedando en silencio, Robert Plant, abatido, se giró hacia el grupo y les dijo, creo que no la vamos a incluir en el nuevo disco. Volvió a girarse y el público comenzó a aplaudir enfervorecido durante minutos. A partir de entonces, la tocaron en todos y cada uno de sus conciertos.

En cuanto al Satán y el ocultismo
Quedaron vinculados a ellos por hacer migas con el más conocido adalid del satanismo de los tiempos modernos, Aleister Crowling, el mago negro. Que por cierto también tuvo amistad con alguno de los Beattles, de hecho, su calva monda y lironda se deja ver en la esquina superior izquierda de la portada de Sarge Peppers.

Pues resulta que Crowling, muy popular entre los famosos de la época, era conocido por orquestar extraños rituales de corte satánico, en los que no faltaban los tres grandes, Sexo, drogas y Rock’n’Roll. Estos solían transcurrir en su mansión a orillas del lago Ness, bautizada como Palacio Boleskines. La siniestra morada se edificó sobre una antigua iglesia, que ardió con toda la familia del pastor dentro, todos ellos yacen en un pequeño camposanto adosado a la mansión, casi inmerso en el espeso bosque. Vamos, de Barrio Sésamo, de allí lógicamente no podía salir nada bueno.

La leyenda negra también incluye mensajes ocultos en sus discos, que podemos escuchar si los reproducimos en sentido inverso, cositas como “Here’s to my sweet Satan”, en Stairway to Heaven, y lindezas similares en canciones como: Dazed and confused, Whole lotta love, Four Sticks, Kashmir…Su representante zanjó esta polémica afirmando que sus discos solo giraban en un sentido.

En 1974, Robert Plant pierde a su hijo y en 1976 él mismo estuvo a punto de morir junto a su mujer en un accidente de tráfico en la isla griega de Rodas, esto le obligó a grabar en el estudio sentado en una silla de ruedas. Sobre esas fechas, Jimmy Page y Jhon Bonham van cayendo en garras de la heroína.

Finalmente, la banda se disuelve en 1980 tras el fallecimiento de Bonham, ahogado en su propio vómito y con más alcohol que sangre, cosas de la vida, la muerte se produjo en Palacio Boleskines tras una de esas oscuras fiestas.

De cuando todo se va a la mierda

Las cosas se van a la mierda de muchas maneras.

Puede suceder que se vayan al infierno de una forma sutil pero anunciada. Nos olíamos que no podía acabar bien, y efectivamente la situación se va hundiendo en el barro, sin que aparentemente podamos hacer algo, o al menos sin que la situación implique una columnita en sucesos como autor del asesinato de alguien.

A veces las cosas se van al carajo sin comerlo ni beberlo, la vida te da una hostia, se va corriendo y tu te quedas con cara de idiota buscando la otra mejilla, de la vida quiero decir. Nos coje a contrapié y tardamos demasiado en asimilar un marrón tan repentino, tanto que apenas podemos hacer nada para remediar lo sucedido.

Pero lo peor, es cuando la ruina llega lenta e inexorable adornándose de malas noticias, una desgraciada espiral que termina por destruir el estado de ánimo de cualquiera. La visión pesimista de la vida se apodera de tus ojos y te empiezas a sentir más solo, pues muchas veces el hecho de que las cosas se vayan a la mierda implica que ciertas personas desaparecen de tus dias. No mueren, claro, pero conforme pasa el tiempo vas asumiendo la pérdida y el cuerpo se te queda como si realmente eso hubiera pasado. Solo te separa del luto la sutil esperanza de volver a verlos en un futuro que no se puede señalar en el calendario.

¿Qué será de ellos?

Un dia recibes un mensaje de un contacto olvidado del messenger diciendo: "¿Sabes que fulanito ha muerto? "
Y esa sutil esperanza se muere con él.
Como en el comienzo de Amelie, te dispones a borrar su número en la agenda del movil. ¡No es un registro!...era mi amigo.

Pulsé confirmar.